Bild: Sony.com

„Old Ideas“, Leonard Cohens erstes Studioalbum seit acht Jahren, ist ein intimes, spartanisch instrumentiertes Werk, auf welchem der kanadische Songpoet mit ironischer Distanz einen Blick auf das letzte Drittel des Lebens und dessen unausweichliches Ende wirft sowie die verschiedenen Ebenen der Liebe thematisiert.

Für Überraschungen ist Leonard Cohen, der mittlerweile 77-jährige Songpoet aus Montreal, immer wieder gut. Anfang 2008 kündigte er, wohl angetrieben von dem, was er damals etwas euphemistisch „meine ärgerliche finanzielle Situation“ nannte (seine ehemalige Managerin hatte ihn um fast sein ganzes Vermögen betrogen), nach 15 Jahren Bühnenabstinenz eine neue Welttournee an. Diese sollte schliesslich zweieinhalb Jahre dauern und fast 250 Konzerte umfassen. Wobei Konzert ein zu profaner Begriff dafür ist, was Cohen zusammen mit seiner virtuosen, neunköpfigen Band – in der Schweiz zuletzt im September 2010 in Basel – bot: Eine über dreistündige Reise durch einen während mehr als 40 Jahren entstandenen Songkatalog, mit einer derartigen Intensität vorgetragen, dass man eher von einer Audienz in Cohens Songkathedrale sprechen konnte. Als das neue Album angekündigt wurde, durfte man deshalb – nach dem meditativen, aber etwas aseptischen „Ten New Songs“ (2001) und dem unausgegorenen „Dear Heather“ (2004) – endlich mal wieder ein Cohen-Album in sattem Band-Sound erwarten.

Doch weit gefehlt: Seine „Unified Heart Touring Band“ist auf „Old Ideas“ nur gerade im bluesigen, bereits live interpretierten „The Darkness“ zu hören. Leise Enttäuschung kommt deshalb beim erstmaligen Hören auf. Doch je öfter man den zehn neuen Liedern andächtig lauscht, desto mehr versteht man Cohens Entscheid, sich statt auf Musik im Cinemascope-Format auf die in tiefstem Bariton vorgetragenen Texte zu fokussieren und musikalisch nur mit ausgewähltem Instrumentarium Akzente zu setzen. Ein intimes Album ist so entstanden, auf welchem Cohen mit ironischer Distanz einen Blick auf das letzte Drittel des Lebens und dessen unausweichliches Ende wirft sowie die verschiedenen Ebenen der Liebe thematisiert. Im Eröffnungslied „Going Home“, höhnt das Erzähler-Ich, der Leonard, dieser „lazy bastard in a suit“ wolle eigentlich eher ein Liebeslied oder eine Anleitung für das Leben mit Niederlagen schreiben. Stattdessen habe er ihm jedoch aufgetragen, die folgenden Worte mantrahaft zu wiederholen: „Going home without my burden/going home behind the curtain/going home without the costume that I wore“. Und so singt Leonard also vom Unausweichlichen, dem Angesicht des Todes.

Bild: Dominique Issermann

Natürlich thematisiert Cohen, der „Ladies’ man“, auf „Old ideas“ auch die Liebe. Im schon fast tanzbaren „Different Sides“, in welchem die Reime mit den Klängen eine perfekte Symbiose eingehen, geht es um die kleinen Kriege in Paarbeziehungen („We find ourselves on different sides/of the line nobody drew“). In „Crazy to love you“, in welchem sich Cohen mit der akustischen Gitarre selber begleitet, erzählt der Sänger von der Gelassenheit der Liebe im Alter („I’m tired of choosing desire/I’ve been saved by a blessed fatigue“). Der emotionale Höhepunkt des Albums ist jedoch das fast achtminütige „Amen“. In diesem Klagelied, in welchem sich die Klänge einer Trompete mit jenen einer Violine vermählen, wird die Liebe dem Horror in der Welt gegenübergestellt („Tell me again when the victims are singing/and the laws of remorse are restored/tell me again that you know what I’m thinking/but vengeance belongs to the lord“). Der „lord“, er wird auf Cohens neustem Album, dem wohl spirituellsten seit „Various Positions“ (1984), oft angerufen. „Show me the place“ und „Come Healing“ sind mit ihren Hammond-Orgel-Klängen und dem engelhaften Backgroundgesang (von der langjährigen musikalischen Weggefährtin Jennifer Warnes beziehungweise der noch wenig bekannten Dana Glover, übrigens die Entdeckung dieses neuen Albums) eine Art Hymnen. Da wird die geliebte Person – oder auch Gott – aufgerufen, zu zeigen, wo das Wort Mensch wurde und das Leid begann oder es wird um Heilung des Geistes und des Körpers gebeten.

Es finden sich auf „Old Ideas“ jedoch auch ein paar in jeder Hinsicht leichtgewichtigere Songs: So verlieben sich im besänftigenden Wiegenlied „Lullaby“ Katz und Maus und reden anschliessend in Zungen oder Cohen besingt ein kaputtes „Banjo“, welches im dunklen, verseuchten Meer herumdümpelt. Das jazzig-angehauchte „Anyhow“ wäre auf „Dear Heather“ besser aufgehoben gewesen und stört merklich den Fluss des Albums. Dennoch: So wie Cohen in seinen Konzerten vor Band und Publikum immer wieder seinen Hut zog, kann man vor diesem weisen, berührenden Alterswerk nur eines: ehrfürchtig den Hut ziehen.

Label: Sony Music

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Zwischen den Stühlen

Bild: http://subrosa.itcmedia.net/en/catalogue/soundworks/jac-berrocal----david-fenech---ghedalia-tazartes.html

Es gibt Alben, die sind schwer einzuordnen. Ist es jetzt eher Punk oder eher Rock oder Indie oder eher Electronica? Und dann gibt es Alben wie Superdisque, die sind unmöglich einzuordnen. Ein Gitarrist (David Fenech), der irgendwo zwischen Punk, freiem Jazz und Avantgarde steht, ein Sänger (Ghédalia Tazartès), dessen Gesang zwischen Kinderlieder und freier Improvisation, zwischen arabischen Balladen und tibetanischem Mönchsgesangs, zwischen Avantgarde und Archaik hin- und herpendelt, und ein Trompeter (Jac Berrocal), der seine Trompete manchmal als herrlich-singende Engelstrompete, manchmal als röhrend-animalisches Organ, manchmal als reiner Geräuschproduzent benutzt.

Ist es Jazz, Avantgarde, eine Art progressiver Ethno-Folk, neue Musik, Soundart? Auf jeden Fall ist es erstaunlich, wie viel verschiedenes die drei französischen Musiker auf Superdisque (veröffentlicht auf Sub Rosa) unter einen Hut und in dreizehn Stücke gebracht haben. Meditatives Sound-Aufschichten („Joy Divisé“, „Human Bones“), verstörende Klangcollagen („Cochise“), schräge Folk-Chansons („Quando“), klaustrophobische Stimmungsbilder, die einem David Lynch-Film entspringen könnten („David’s Theme“), humorvolle Volkslied-Parodien („Ife L’Ayo“, „Final“), stimmungsvolle Klanglandschaften („J’attendrai“, „Sainte“), indianische Ritualgesänge in das 21. Jahrhundert projiziert („Powow“) und massive Klangmauern („Ziveli“). Die drei unkonventionellen Musiker bleiben auch nicht bei ihren herkömmlichen Instrumenten: Die verschiedensten Instrumente wie Akkordeon, Kinderklavier, Ukulele, Oud, Gamelan und verschiedene Perkussions-Instrumente, aber auch eher seltsame Klangerzeuger wie Turntables, Muschelschalen, Spielzeuge, Musikbox, Wassergeräusche und sogar menschliche Knochen (es steht ausdrücklich „Human Bones“) kommen zum Einsatz. Auch ein Featuring ist darauf zu finden: Für „Porte de Bagnolet“ haben sie den französischen Akkordeonist Zap Pascal eingeladen, der das atmosphärisch dichte und intensive Stück mit seinen reduzierten Klangflächen und Melodiefragmente  würzt.

Man hört sicherlich, dass sich hier drei äusserst interessante und eigenständige Personen der französischen Avantgarde-Szene zusammengefunden haben. Ghédalia Tazartès ist zwar nicht sehr bekannt, doch seine eigenwilliges Organ, ständig wechselnd zwischen Kind und Diva, und seine unkonventionelle Art Musik frei von jeglichen Genre-Grenzen zu machen, hat ihn inzwischen zu einer Art Kultfigur gemacht. Mit seinem Mix aus dem archaischen, manchmal fast schamanischen Ausdruck seiner Stimme und der experimentellen Montage und progressiven Arrangements ist er zu folkloristisch, zu wenig „neu“ für die Avantgarde-Szene und viel zu schräg und zu experimentell für  einen eher ethnologisch geprägten Kanon.

David Fenech und Jac Berrocal hingegen sind ziemlich fest in der europäischen Avantgarde-Szene irgendwo zwischen Jazz, Rock und zeitgenössischer Musik, verwurzelt. Beide haben sicher schon ein Duzend Alben Solo und in unterschiedlichen Kollaborationen veröffentlicht. David Fenech spielte unter anderem schon mit Felix Kubin, Gino Robair, Tom Cora, Rhys Chatham und anderen und Jac Berrocal arbeitete schon mit Pascal Comelad, Nurse With Wound (aka Steve Stapleton), Jaki Liebezeit von der deutschen Band Can, Sunny Murray, Lol Coxhill und anderen zusammen.

Ein interessantes Trio ist hier entstanden und ein äusserst vielseitiges und auch ambivalentes Album. Einerseits durchaus der E-Musik – inklusive dem Einsatz von Samples, freier Improvisation, Klanggedichten und Soundscapes – zuzurechnen, andererseits – durch den teilweise komisch anmutenden Gesang von Tazartès und den schrägen Folkeinflüsse und Kinderlieder – sehr humorvoll. Einen strengen Verfechter von konzeptioneller E-Musik sowie einen eher konservativ eingestellten Volksmusiker wird dieses Album wohl vor den Kopf stossen. Doch wer es sich mit offenen Ohren und einer gehörigen Portion Humor anhört, wird den Reiz dieser ungewöhnlichen Kollaboration sicher entdecken.

Links:

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Eine neue elektronische Hoffnung?

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Klirrende Gitarren, eine durch das Hallgerät gejagte Stimme, einige Klicks und Schnipps, ein nostalgisches Rauschen und ein langsam tropfender Beat und fertig ist das Wunderkind. Schon als der damals 19-jährige Shlohmo 2010 seine erste EP Shlohmoshun Redux auf Friends of Friends veröffentlichte, erstaunte er, obwohl teilweise noch ein wenig überladen und unausgereift, mit seinem eigenwilligen Mix von Hiphop, Dub, Electonica, Chillwave, Lo-Fi und Shoegaze. Nun, ein Jahr später, veröffentlicht er seine „proper debut LP“, wie er auf seinem Blog schreibt, wieder auf Friends of Friends.

Das Album Bad Vibes ist ein Phänomen. Nach dem ersten Durchhören war ich äusserst angetan. Es groovt leichtfüssig, mit ein paar wenigen Klicks und Bleeps wird ein dubbiger Hiphop-Beat angetönt, es erinnert ein wenig an Gonjasufi oder Flying Lotus. Freundlich, gereift und angenehm reduziert und zurückhaltend präsentieren sich die dreizehn neuen Tracks von Shlohmo, was schon sehr erstaunlich ist, für ein Künstler seines Alters. Nur seltsam, dass er ihm mit Bad Vibes ein so düsterer Titel gibt. Auch Track-Namen wie „I Can’t See You, I’m Dead“, „Trapped in A Burning House“ und „Your Stupid Face“ klingen nicht unbedingt freundlich.

Je häufiger und aufmerksamer man das Album jedoch anhört, desto tiefere Schichten werden freigelegt. Mit minimalen Mitteln wie einer zunehmen verzerrten und verdoppelten Gitarre wie auf „I Can’t See You, I’m Dead“ oder einem hypnotischen Beat (z.B: „Get Out“) werden nervenaufreibende Spannungen aufgebaut, die sich dann in gemächlich swingenden Stücke wie „Seriously“, in nostalgischen Feel-Good Melodien wie in „Places“ entlädt.

Sowieso sind die dreizehn Tracks dramaturgisch geschickt angeordnet. In dem durch Vogel-Gezwitscher eingeleitete „Big Feelings“ schält Shlohmo einen plätschernden Puls aus atmosphärischen Feld-Aufnahmen, dessen treibendes Ziehen er durch das gesamte Album nicht mehr verlässt. Spannungen und Gitarrenwände werden darüber aufgebaut, Abgründe aufgetan. Während Shlohmo in Lied Nummer Sechs („Just Us“) eine tropfende Zupfmelodie über choralesquen Gesang und einem hüpfend-swingenden Beat legt, zieht er dann im neunten Lied ganz andere Saiten auf: „Trapped In A Burning House“ erinnert einen fast an Drone-Bands wie Sunn O))) oder Earth und tatsächlich können dabei klaustrophische Angstgefühle aufkommen. Eine langgezogene jaulende Gitarrenmelodie schwingt sich immer höher über düster-verzerrte Klangflächen. Natürlich heisst das nächste Lied dann „Get Out“: Ein monotoner Beat, eine tiefe Orgel, verzogene Stimmen, ein paar geräuschhafte Perkussionselemente und Gitarren und viel Echo reichen Shlohmo, um musikalisch eine geradezu filmische Vision von einem leicht verstörten Morgengrauen inklusive Schlafmangel, Morgentau, realitätsferner Euphorie und, was sonst noch zu dem Ende einer durchfeierten Nacht gehört, zu erzeugen.

Mit den letzten Tracks kehrt Shlohmo dann zu der verträumten, leicht nostalgischen Stimmung des Beginns zurück.

Alles in allem ein überaus geglückter Ausflug in die wundersame Welt des „Wunderkinds“ Shlohmo. Erstaunlich, mit welch feinem Gespür er Chillwave-Gesänge, Lo-Fi-Feldaufnahmen, doomige Gitarrenwände und tropfende Hiphop-Beats miteinander vermischt. Ich denke und hoffe auf jeden Fall noch mehr von ihm zu hören.

Links:

http://www.wediditcollective.com/

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Die positiven Seiten der Globalisierung

Bild: http://www.enchufada.com/2011/10/25/komba-buraka-som-sistema/

Das portugiesische Party-Quartett Buraka Som Sistema bleibt bei ihrem Zweitling bei ihren Leisten – und das ist gut so. Die positiven Folgen der Globalisierung und der weltweiten kulturellen Durchmischung sind bei den pumpenden Clubhits von Buraka Som Sistema hör- und fühlbar: World Music 2.0.

Ende der 1980er Jahre, nach dem Zusammenbruch der portugiesischen Herrschaft und der daraus resultierenden Einwanderung von Leuten aus Südamerika und der Karibik, entstand im Untergrund von der angolanischen Stadt Luanda unter dem Einfluss von aus Europa kommenden elektronischen Musikstilen ein Hybrid, der inzwischen die Clubs auf der ganzen Welt zu erobern scheint: Kuduro. Damals mischten angolanische DJs, beeinflusst von den neuen Kulturen und Musikarten, ihre angolanische Musik wie Semba oder Kizomba, neuere karibische Musikstile wie Zouk und Soca mit europäischer, elektronischer Musik wie Techno, Tribal House und Co. Diese Mixtur klingt ein wenig nach einem musikalischen Frankenstein, doch das Resultat war unglaublich energetisch und tanzbar: Kuduro („cú duro“ ist portugiesisch für „harter Arsch“).

Einige Jahre später begannen zwei portugiesische Teenies in Buraca, einer Gemeinde in der Agglomeration Lissabons, zusammen Musik zu machen. Sie trafen auf den angolanischen Einwanderer Andro Carvalho alias Conductor, der sie mit der Musik Angolas, mit Kuduro in Berührung brachte. Zusammen formierten sie sich zu Buraka Som Sistema. Ein wohlklingender Name, der – ganz simpel – Buraca Sound System bedeutet. Zu Beginn des neuen Jahrtausends wurden sie sogar von einem Label entdeckt, von Enchufada. Der Mitgründer des Labels, der Dichter und Musiker Kalaf Angelo, stieg sogar bei ihnen als MC ein. Das höllische Quartett war somit komplett und begann die Welt zu erobern. Ihre erste EP („From Buraka To The World“) ist mit dem Jahre 2006 datiert. Auf ihrem Debüt-Album „Black Diamond“ (2008) können sie schon unzählige Featurings verzeichnen, unter anderem mit der Stimme der „World Music 2.0“, mit M.I.A. Auch der Brasilianische Baile Funk-Pionier Deiza Tigrona oder die angolanischen Kuduro-Musiker DJ Znobia und Pongolove sind für einige Tracks mitverantwortlich. Inzwischen sind circa drei Jahre verstrichen, die die vier mit ausgiebigem Touren gefüllt haben. Sie gelten als eine der besten portugiesischen Liveact, was ihnen auch schon einen MTV Music Award als „Best Portuguese Act“ einbrachte, und spielten dieses Jahr am Rock in Rio vor circa 110′000 begeisterten Menschen.

Man hört dem neuen Album auch an, dass es als Live-Set konzipiert ist. Schon der Opener „Eskeleto“ ist ein Hybrid aus düster-pumpendem Dubstep-Knaller und der zerschossenen, aufpeitschenden Rhythmik des Kuduros. Im Outro von „Eskeleto“ wird auch das Konzept bzw. der Titel des ganzen Albums erklärt. Komba ist ein angolanisches Ritual, wobei die Familie, die Freunde, die Bekannten eines Verstorbenes sich sieben Tage nach seinem Tod versammeln und zusammen sein Lieblingsessen, -getränk, -musik geniessen und so das Leben des Verblichenen mit einer grossen Party feiern. Diese Nähe von Leben und Tod, von ekstatischer Lebensfreude und Düsterheit ist auch auf dem Zweitling von Buraka Som Sistema zu finden. Düstere Bass-Music-Elemente stehen neben zirpenden Synthies und zappligen Drumbeats. Aggressive Wobble-Bässe werden unter wild-ausgelassene Party-Shouts und treibende Karibik-Rhythmen gelegt (so im grandiosen „Tira O Pé“).

Obwohl die zwölf Tracks nicht durchwegs überzeugen, ist Komba wohl eine der gelungensten Clubmusik-Veröffentlichungen dieses Jahres. Es fällt sogar zu den weniger mitreissenden Tracks schwer, sitzen zu bleiben. So fallen das an die neuen Black Eyed Peas erinnernde „(We Stay) Up All Night“ oder das ambivalente „Voodoo Love“, deren t.A.T.u.- ähnlichen Gesang (beigesteuert von Sara Tavares) durch den explosiven Rap-Part von Terry Lynn wett gemacht wird, ein wenig ab. Man darf natürlich nicht erwarten, dass Buraka Som Sistema mit Komba die elektronische Musik revolutionieren werden. Doch selten hört man so energetische, lebendige und multikulturelle Clubmusik wie auf dem neuen Wurf von den vier Portugiesen. Auf jeden Fall eine angenehme Erhellung der tristen Herbstmonaten – trist betreffend des Wetters und der Veröffentlichungen.

Links:

http://www.buraka.tv/

http://www.enchufada.com/artists/buraka-som-sistema/

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Die Beach Boys im 21. Jahrhundert

Bild: http://www.myspace.com/pandabear

Panda Bear aka Noah Lennox taucht mit seinem neusten Werk „Tomboy“ noch mehr in den wattigen Bereich zwischen Beach Boys Chören, sphärischen Gitarrenwänden, Echoeskapaden und trippigen Surfersounds ein. Der „King of Chillwave“ ist zurück.

Während Panda Bears 2004 veröffentlichtes Album „Young Prayer“ noch den Lo-Fi-Charme von Schlafzimmer-Aufnahmen versprühte, kam „Person Pitch“ aus dem Jahre 2007 schon viel geschliffener daher. Die akustische Klampfe wurde gegen Samples und Studiokompressoren ausgetauscht. Man hört Panda Bears Freude am sauberen Studiohall und an den Bearbeitungsmöglichkeiten, die die modernen Studioprogramme mit sich bringen. Dieselbe Technologie wurde auch auf „Tomboy“ wieder genutzt. Nur hat Panda Bear wieder vermehrt die Instrumente selbst eingespielt. Leider verschwand auch ein Teil seiner Experimentierfreude betreffs Songwriting und Sounddesign, welche „Person Pitch“ so interessant machte. Tracks wie „Good Girl/Carrots“ boten mit Spiellängen von annähernd 13 Minuten ein ideales Feld um die musikalischen Möglichkeiten von Samplebearbeitungen vollständig auszuloten. Somit eröffneten sich zwischen den wattigen Chillwave-Sounds klangliche Abgründe, die eine gewisse notwendige Melancholie in den ansonsten ziemlich zuckrigen Songs von Panda Bear hervorholten. Diese Grenzgänge vermisst man auf „Tomboy“.

Doch auch auf „Tomboy“ blitzen melancholische Anklänge und seelische Abgründe zwischen den hallgetränkten, sonnigen Beach Boys Chören, die inzwischen so typisch für Panda Bears Musik geworden sind, und den flirrenden Synthie-Arpeggios auf. So zum Beispiel der Song „Slow Motion“, das von einem dubbigen ¾-Schlagzeug und einem groovigen Klaviepattern getragen wird, oder „Scheherezade“, eine langsame Klavierballade mit tropfenden Mollakkorden und östlichen Melodien.

Aber in alles in allem wird „Tomboy“ dominiert von hall-getränkten Beach Boys Chören, wattigen  Klangteppichen und flirrenden Synthies. Man hört deutlich, das Peter Kember alias Sonic Boom alias Mitglied von Spacemen 3 das Album abgemischt hat. Spacemen 3 ist ja wirklich nicht Freund von trockenem, reduziertem Sounddesign und auch so tönt das neue Panda Bear Album. Diese über das ganze Album durch hochgeschraubte Reverb- und Delay-Effekte erzeugte weite Klangräume strapazieren mit der Zeit ein wenig die Hörnerven und man wünscht sich eine trockenere Produktionsweise herbei. Obwohl dann – vor allem die Drums betreffend – Reminiszenzen an Dubproduktionen von Lee Scratch Perry oder King Tubby verloren gingen. Auch leidet die Verständlichkeit des Gesangs teilweise durch den übergrossen Einsatz von Hall und Echo.

Doch obwohl man auf „Tomboy“ an vielen Stellen die Abgründe, die sich bei Panda Bears letztem Album „Person Pitch“ und der Musik von Animal Collective zwischen den psychedelischen Wolkenritten auftun, vermisst, bleibt Panda Bear der unbestrittene „King of Chillwave“. Sphärische Synthies und verwaschene Gitarrenwände, eine glockenhelle Stimme und melancholische Melodien, harmonische Beach Boys Chöre und Anklänge an den psychedelischen Surfer-Pop der 60er, langsam tropfende Drumspuren und alles in eine dichte Hall-Wolke gesteckt.

Es ist auf jeden Fall interessant zu hören, wie Panda Bear die Grenze zwischen traditionellem Songwriting und elektronischem Trackbuilding verwischen lässt. Man kann die Stücke nicht mehr Popsongs nennen, zu verwaschen und fliessend sind die Strukturen, zu dicht die Instrumentierung und das Sounddesign, zu gross die Sample-geschulten, hypnotischen Repetitionen. Doch um sie – nach elektronischem Jargon – Tracks zu nennen, legt Panda Bear zu grossen Wert auf akustische Instrumente und vor allem auf die Stimme und den Text.

Auch wenn meiner Meinung nach die Musik von Animal Collective interessanter als Panda Bears Soloprojekt ist, lohnt es sich sicherlich diesen trippigen Klanglandschaften ein Ohr zu schenken. Vielleicht fühlt man sich durch den nostalgischen Touch, durch die entspannte, sommerliche Atmosphäre und die gemütlich-fröhliche Grundstimmung angesprochen. Vielleicht mag man das progressive Songwriting zwischen Popsong und Sampletrack oder die geschickte Verfremdungstechniken der Stimme, der Songstuktur oder des Gesamtsounds, die dem Album diesen gewissen hypnotischen, psychedelischen Touch geben. Man hört auf jeden Fall deutlich, dass Panda Bear nicht auf den Chillwave-Zug aufspringen will (er wird schliesslich als deren Begründer angesehen), sondern diese elf Songs seine Musik sind und höchstwahrscheinlich weiterhin richtungsweisend, wie fast immer wenn das Animal Collective irgend etwas in die Finger nimmt.

Links:

www.paw-tracks.com/edit/artistsEdit.htm#panda

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Eine musikalische Hommage an den Italo-Western

Bild: http://romealbum.com/

Danger Mouse und Daniele Luppi lassen die Filmmusik von Ennio Morricone und Co. hochleben. Dafür schrieben sie nicht nur Musik, die klingt wie damals, sondern sie nahmen auch am gleichen Ort mit möglichst dem gleichen Equipment und teilweise sogar den gleichen Leuten auf wie damals. Nur Jack White und Norah Jones, die je auf drei Songs zu hören sind, sind von heute.

Danger Mouse alias Brian Burton arbeitete schon 2006 bei seinem Gnarls Barkley Album „St. Elsewhere“ mit dem italienischen Komponist und Arrangeur Daniele Luppi zusammen. Damals entstand, dank der geteilten Liebe zu den Italo-Western der 60er und 70er, auch schon die Idee zu diesem Album. Jetzt – fünf Jahre später – ist das Werk endlich vollendet. Eine gute halbe Stunde lang voll musikalisch umgesetzten staubigen Duellen, einsamen Cowboys, hinterhältigen Priestern, schmachtenden Bartänzerinnen und ehrlich arbeitenden Siedler lassen die Filme von Sergio Leone wieder aufleben. Danger Mouse und Daniele Luppi begaben sich dafür nach Rom in das legendäre Ortophonic Studio (heute Forum Studio), wo auch Ennio Morricone seine Filmscores aufnahm, gruben viel von dem damaligen Equipment aus und luden Musiker, die schon mit Morricone und Co. zusammenarbeiteten, zur Aufnahmesession ein. So singt die 76-jährige Edda Dell’Orso, die berühmte Sopranstimme von „The Good, The Bad and The Ugly“ und „Once Upon A Time In The West“, mit und Gilda Butta’ spielt Celesta. Beides Musikerinnen, die schon in der Blütezeit des Italo-Western ihren Teil zu dessen legendärem Soundtrack beisteuerten.

Nach dem ersten Durchhören ist schon klar, dass das Experiment gelang. Schon beim ersten Stück, dem „Theme Of Rome“, hört man die staubig-trockene Wüstenszene und den einsamen Reiter. Eine dezent-rauschende Trommelbegleitung, ein paar schwebende Gitarrenakkorde und die flirrende Sopranstimme von Edda Dell’Orso versetzen einen sofort in eine Szene aus einem Sergio Leone-Klassiker. Auch die weiteren Stücke sind hundertprozentig gelungen. Jack White wird in „The Rose With The Broken Neck“ zu dem einsamen Cowboy, in „Two Against One“ zu einem gefährlichen Duellant, der es sogar mit zwei Gegner aufnimmt, und in „The World“ zu dem Held, der in den Sonnenuntergang neuen Abenteuern entgegen reitet und Norah Jones beweist in „Season’s Tree“, „Black“ und „Problem Queen“, dass sie nicht nur die nette Jazzpop-Sängerin ist, sondern auch sexy und gefährlich tönen kann.

Doch zum Glück hängt nicht alles an den Gastsängern. Denn nur sechs der fünfzehn Stücke (inklusive den drei kurzen Interludes) sind Featurings mit Jack White oder Norah Jones. Die andern neun Stücke sind – bis auf die wortlosen Gesangparts von Edda Dell’Orso und dem Chor Cantori Moderni – Intrumentals. Doch auch hier geht das Konzept auf: Melancholische Celesta-Melodien, langsam wiegende 6/8-Tracks inklusive schmachtenden Streichern (gespielt vom B.I.M. Orchestra) und zurückhaltend begleitende Western-Gitarre und Songtitel wie „The Gambling Priest“, „The Matador Has Fallen“ und „Morning Fog“ unterstützen das beabsichtigte Kopfkino ideal. Genial, wie einige Melodien einige Lieder später plötzlich wieder aufblitzen, wie Luppi und Burton die samtene Altstimme von Norah Jones mit dem hellen Glockenspiel verknüpfen, wie sie den musikalischen Raum mit dem vereinten Einsatz von dem Chor und dem Streichorchester plötzlich um Meilen erweitern. Alles in allem perfekte Filmmusik für einen staubig-trockenen Italo-Western. Das Album verlangt fast nach einem mutigen Regisseur, der den Film zu dieser CD dreht. Das Artwork ist auf jeden Fall schon wie dafür gemacht: ein ausklappbares Booklet, das, mit den Machern über dem Titel und den Stars und dem übrigen wichtigen Staff darunter, wie ein Filmplakat daherkommt.

Es stellt sich natürlich die Frage, wieso man im Jahre 2011 ein Album herausbringen muss, das tönt als wäre es den Soundtrack für einen Film aus den 60er oder 70er. Denn etwas wirklich aufregend Neues findet man auf „Rome“ nicht. Doch auf welchem Album hat man in den letzten Jahren wirklich etwas noch nie Dagewesenes gehört? So ist dieses Album wenigstens ehrlich und vor allem sehr gut gemacht. Es will nicht mehr, als die Musik der Italo-Western hochleben lassen und das macht es vortrefflich. Wer also seine Freude an der Musik von Ennio Morricone und Co. hat, wird auch dieses Album lieben.

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Ein Spiegel für Bill Callahan und die Welt

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Mit seinem dritten Album unter seinem bürgerlichen Namen gelang Bill Callahan eine beeindruckende Introspektion auf sich als Musiker, Mensch und Bürger von Amerika. Ein Album voll in typisch amerikanischen Metaphern ausgedrückten Reflexionen über sein Land, seine Leute und sich selbst. Schon seit gut zwanzig Jahren ist Bill Callahan, früher als Smog unterwegs, eine feste Grösse am amerikanischen Songwriter-Himmel. Mit „Apocalypse“ hat er wieder einmal bestätigt wieso.

Seit 1992 veröffentlichte Bill Callahan fast jedes Jahr ein neues Album. Bis 2005 war er noch unter dem Namen Smog unterwegs, „Apocalypse“ ist – nach „Woke On A Whaleheart“ von 2007 und „Sometimes I Wish We Were An Eagle“ von 2009 – sein drittes Album, das er unter seinem richtigen Namen Bill Callahan veröffentlicht. Ein beeindruckender Output also: Seit 1992 sammelten sich so insgesamt fünfzehn Alben von Bill Callahan auf dem Label Drag City an, auf dem auch Künstler wie Will Oldham alias Bonnie „Prince“ Billy und Joanna Newsom zuhause sind.

Man hört deutlich, wieso Bill Callahan auch den Post-Punk Leonard Cohen genannt wird. Reduzierte Lo-Fi-Songs, die in kryptischen Metaphern und mit seinem distanziert beobachtendem Bariton von den menschlichen Abgründen und den unterschiedlichsten Problemen, die das Menschsein so mit sich bringt, berichten.

Die grösste Qualität von „Apocalypse“ ist jedoch seine konzeptuelle Anlage. Nur sieben Songs sind auf der Platte enthalten, doch damit spannt Callahan den Bogen von seinen Beziehungsproblemen und seine Rolle als Amerikaner über seine Angst vor Abschieden und die Freiheit, die von der Fähigkeit loszulassen kommt, bis zum unweigerlichen Ende seines Weges, seiner Apokalypse. Selten wird in vierzig Minuten Musik so intensiv mit Emotionen um sich geworfen, ohne einen Augenblick sentimental zu wirken. Neben den distanzierten, mit Metaphern gespickten Texten und Callahans fast schon beiläufigem Bariton sorgt auch die reduzierte, zurückhaltende Instrumentierung dafür, dass nie ein Gefühl von Kitsch oder überflüssiger Emotionalität aufkommt.

Meistens genügt Callahan eine akustische Gitarre, ein wenig Banjo, ein zurückhaltendes Schlagzeug um seine Songs zu arrangieren. Deshalb wirken auch sparsam eingesetzte Arrangements-Tricks wie die bluesig verzerrte Gitarre zum Beispiel in „America“, die zarten Querflöten-Tupfer unter anderem in „Drover“ und in „Universal Applicant“ oder das balladeske Piano in „One Fine Morning“ umso mehr. Die Songs wirken beim ersten Hören eher wie Skizzen, als fertige Arrangements. Doch je mehr man sich in das Album hineinhört, desto deutlicher merkt man, wie alles in sich stimmt.

Wenn er im Opener „Drover“ über einen rollenden Countrybeat über seine Rolle als Viehtreiber (eine Metapher für ihn als Künstler?) reflektiert oder in „America“ ironisch doch liebevoll über sein Heimatland singt und sich dabei mit einer Rock’n'Roll-artigen Leadgitarre begleitet, dann zeigt sich, dass die Songs äusserst sorgfältig ausgearbeitet sind.

Eines von Callahans Meisterstücken ist sicherlich der letzte Song: „One Fine Morning“. In Western-getränkten Metaphern stilisiert er den Tod, seine persönliche Apokalypse, zu einem einsamen Davonreiten in den Sonnenaufgang. Mit seinem gemächlichen Bariton, ruhiger Gitarrenbegleitung und einigen schweren Pianoakkorden schafft er es über knapp neun Minuten die Aufmerksamkeit des Zuhörers zu fesseln und dem düsteren Thema eine ruhige, friedliche Abschlussstimmung zu geben. Es ist sowieso eine der grossen Meisterschaften von Bill Callahan auf ehrliche direkte, unsentimentale Art und Weise über die kleinen und grossen Dramen der Menschen zu singen.

Er beginnt seine „Apocalypse“ mit der Phrase „The real people went away“ und endet mit „For I am a part of the road/ The hardest part.“. Dazwischen liegt ein langer Weg, den es zu verfolgen lohnt. Denn selten werden die grossen Themen der Popmusik so ehrlich und unaffektiert angepackt wie auf dem neusten Wurf vom Bill Callahan.

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Neues aus Kanadas düsteren Wäldern

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Die kanadische Indie-Folk Band Timber Timbre um den Sänger, Songwriter und Multi- Instrumentalist Taylor Kirk bezaubern auch auf ihrem Zweitling mit düsteren Songs über gebrochene Herzen und deren einsame, verlorene Besitzer.

Nach ihrem vielgelobten und preisgekrönten Erstling Timber Timbre erfüllen die drei Musiker von Timber Timbre auch mit ihrem neuen Wurf die hochgesetzten Erwartungen. Langsam schleppende, bluesgetränkte Songs, die von leeren, sich nach Sonne sehnenden Herzen, von düsteren Séancen und anderen bösen Riten, die man nicht los wird, erzählen. Timber Timbre sind sicherlich einer der interessantesten, eigenständigsten und auch düstersten Band der momentanen Indie-Folk Welle.

Schon 2006 und 2007 veröffentlichten Taylor Kirk, Simon Trottier und Mika Posen zwei Alben im Eigenvertrieb. Doch mit ihrem auf dem Label Out of the Spark veröffentlichten, offiziellen Debutalbum Timber Timbre katapultierten sie sich 2009 schlagartig in Aller Munde. Eine Nomination für den Polar Music Prize und den Titel Album of the Year vom Magazin Eye Weekly folgten.

Die Frage nach einem hochgelobten Durchbruchsalbum ist unausweichlich die, ob die Erwartungen erfüllt werden oder ob es sich als eine Eintagsfliege herausstellt. Im Falle von Timber Timbre darf man den Zweitling Creep On Creepin’ durchaus als gelungen betrachten. Die zehn Songs überzeugen durch ihre Einfachheit. Das kehlige Bassorgan von Taylor Kirk überzeugt und er ist zweifelsohne ein überzeugender und einnehmender Geschichtenerzähler. Im Gegensatz zu ihrem letzten Album tendieren sie vermehrt Richtung Folk und weniger zum Blues hin, obwohl die bluesige Grundstimmung auch auf Creep on Creepin’ erhalten bleibt.

Neu ist die grössere Bedeutung der Instrumente. So sind auch reine Instrumentals auf dem neuen Album zu finden. Und genau bei diesen kommen die Stärken des Neulings am besten zum Vorschein. Es sind nicht instrumentale Glanzleistungen oder die ausgefeilten Arrangements, die die Instrumentals „Obelisk“, „Swamp Magic“ und „Souvenirs“ hörenswert machen, sondern das Ohr und das Interesse für Sounds, Geräusche und – wie ihr Name eigentlich schon impliziert – Timbres. Wie Timber Timbre Stimmungen und Bilder mit ihren Klängen zu erzeugen weiss, ist schlicht und einfach grossartig.

Man höre sich nur einmal den Song „Woman“ an. Stampfend setzt ein verzerrter Bass ein, der von einer eiernden Orgel und dem rumpelnden Schlagzeug unterstützt wird. Doch plötzlich befindet man sich in einem schunkelnden 6/8-Soulsong, der auch von Screamin’ Jay Hawkins stammen könnte, inklusive den obligaten, gehämmerten Piano-Achtel. Nachdem sich Taylor Kirk über die Unterschiede zwischen dem weiblichen und männlichen Erinnerungsvermögen ausgelassen hat, setzt der stampfende Bass wieder ein und hämmert den Song so zu einem würdigen Ende. Wie Timber Timbre den Hörer innert so kurzer Zeit nur durch die Veränderung des Bandsounds von einer Stimmung in eine total andere katapultiert, ist beeindruckend.

Was Timber Timbre so speziell macht, ist nicht das grossartige Songwriting oder die einnehmende und trotzdem düstere Stimme von Taylor Kirk, obwohl das Songwriting tadellos ist und der kehlige Bass von Kirk perfekt zu ihrer Musik passt. Nein, die Eigenständigkeit von Timber Timbre basiert vor allem auf der Klangästhetik, die sie zelebrieren. Klavier und Streicher sind hierfür die Hauptzutat und ein reduzierter Bass und ein dem Bass eng auf dem Fusse folgendes Schlagzeug die Basis. Doch die zahlreichen Sounds und Annäherungen an das Geräusch sind die Würze. Hier eine eiernde Orgel oder eine verzerrte Gitarre, da eine Geigensolo, das je länger je geräuschhafter und atonaler wird, dort ein schmachtendes, leicht verstimmtes Saxofon, ein Telefonklingeln oder ein elektronischer Cembalo-Sound.

Diese Vielfalt an Klängen und Timbres, die Timber Timbre in ihre Songs hinein samplen und aus ihren Instrumenten locken, machen das ernste, düstere, obskure, doch wunderschöne Universum von Timber Timbre aus. Voll spukigen Bildern, schwarzer Romantik und vernebelten, morbiden Stimmungen bewegen sich die Songs irgendwo zwischen melancholischen Folksongs, dem unheimlichen Klanguniversum eines Tom Waits und dem schunkelnden und gleichsam mystifizierten Blues eines Screamin’ Jay Hawkins. Taylor Kirk selber betitelt ihre Musik einmal mit „Gothic Rockabilly Blues“. Ziemlich passend, wenn man Rockabilly in Slow Motion denkt.

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www.plattfon.ch

www.timbertimbre.com

Popklippe geschickt umschifft

Bild: http://www.thekills.tv/index.php

Was kommt heraus, wenn eine Band, die sich dem Garagepunk verschrieben hat, plötzlich das Geld und den Ruhm hat, gegen den es vorhin wetterte?

Es tönt wie die typische Rockband- Geschichte: Im Jahre 2000 begannen Jamie Hince aka Hotel und Alison Mosshart aka VV Ideen per Kassetten quer über den Ozean auszutauschen. Schon bald darauf zog VV von Florida nach London, um besser mit Hotel zusammenarbeiten zu können. Im Jahre 2002 veröffentlichten sie ihr Debut-EP „Black Rooster“ unter dem Name The Kills. Es tönte nach zu lauten Gitarren und schepperndem Schlagzeug (oder Drumcomputer) in staubigen Garagen, nach Bier und Schweiss. Kurz: Nach Rock’n'Roll. Und es beförderte sie in Kürze in aller Kritikermunde. Es folgten drei höchst erfolgreiche CDs und inzwischen sind sie beim Label Domino Records (u. a. Franz Ferdinand, Arctic Monkeys, Four Tet) gelandet. Alison Molisshart spielt noch mit Jack White in Supergruppe The Dead Weather und Jamie Hince ist mit dem Supermodell Kate Moss liiert. Folgt man der Popbusiness-Logik müsste jetzt ein schlechtes Album folgen, in dem sie Altbewährtes aufwärmen und es durch den schmierig- glattmachenden Pop-Fleischwolf lassen. Ein paar Features mit verkaufsfördernden Berühmtheiten, eine Welttournee durch alle grosse Stadien und fertig ist der 0815-Rockstar und das volle Konto für die nächsten zehn Jahren. Doch glücklicherweise umschiffen das moderne Bonnie und Clyde-Paar der Rockszene geschickt diese Klippe.

Es gibt einige Merkmale, die beim ersten Durchhören von Blood Pressures auffallen: Das Tempo wurde allgemein etwas heruntergeschraubt, die Songs sind voller produziert mit Klavier teilweise sogar mit Synthies und Streichern, die Melodien sind häufig melodiöser und haben mehr Popappeal. Diese Tendenzen werden schon beim ersten Song „Future Starts Slow“ deutlich. Das Schlagzeug rumpelt zähflüssig vor sich hin, die Gitarre wirft spitze Schreie über den Bassteppich. Die Stimme von VV ist sexy wie eh und je, doch kommt die Melodie mit einem grossen Ohrwurmpotential daher. Vor allem sei hier auf die Bridge von „Future Starts Slow“ hingewiesen.

Noch deutlicher wird es beim zweiten Song: Der Single-Auskopplung „Satellite“. Gitarre und Schlagzeug tönen hier schon fast nach der hippen englischen Dub-Ästhetik. So langsam tropft der Groove vorwärts. Die Lyrics, obwohl immer noch sexy und intelligent wie eh und je, beschränken sich teilweise sogar  nur auf „Ohohs“ und „Ahahs“. Doch auch auf ihrer neusten CD vergessen The Kills ihre Wurzeln nicht. So tönt „Nail In My Coffin“,  „DNA“ und „You Don’t Own The Road“ genau, wie The Kills tönen müssen. Ein treibendes Schlagzeug, die verzerrt-lärmige Gitarre und die messerscharfen Texte und Melodien, die in den sich perfekt ergänzenden Stimmen von VV und Hotel wunderbar aufgehen.

Doch sie sind eindeutig vielfältiger geworden. Der Blues ist noch da, die dreckige Punk-Attitude ist noch da, die treffenden, intelligent-sexy Texte über Liebe und was damit einhergeht, sind noch da. Man hört jedoch dem Songwriting an, dass Alison Mosshart inzwischen mit Jack White zusammenarbeiten durfte. Es ist ausgefeilter, geschliffener geworden. Auch die Produktionsmethoden wurden hörbar verbessert. Es lohnt sich nämlich durchaus die Platte mit einer anständigen Anlage richtig laut zu hören. Am besten mitten in der Nacht, um den spiessigen Nachbarn zu zeigen, dass der kleine Punk in einem noch nicht tod ist.

Es ist jedoch noch mehr da, im neuen Wurf von The Kills. Da wäre zum Beispiel die schon erwähnten zähflüssigen Beats. Aber auch eine neue Intimität und Verletzlichkeit kommt zum Vorschein. So zum Beispiel in der kleinen, aber feinen Ballade „Wild Charms“. Vorgetragen von Hotel, begleitet von einem reduzierten Schlagzeug, Klavier und Gitarre. Mein klarer Favorit ist jedoch ganz klar der Rausschmeisser „Pots and Pans“. Schon nach 30 Sekunden haben sie mit grossem Vorsprung gewonnen: Bass und Drums hämmern vor sich hin, eine bluesige Akustikgitarre und VV und Hotel nehmen eine schlecht ausgerüstete Küche als Metapher für eine verlebte Liebe. Darauf wird aufgebaut: Schon fast U2-grosse Gitarrenwände, Backgroundchöre aus VV alleine und Bass und Schlagzeug hämmern unbeirrt vor sich hin. Grossartig!

Man kann nur froh sein, dass VV und Hotel genügend Standfestigkeit bewiesen haben und sich nicht von der Popwelt überrumpeln liessen. Denn, obwohl „Blood Pressures“ einige Längen aufweist, haben sich The Kills eindeutig weiterentwickelt. Ohne ihre Blues- und Punk-Wurzeln zu vergessen, sind viele neue, interessante Einflüsse zu hören: Das erfrischend-einfache und gradlinige Songwriting sicherlich beeinflusst von Jack White, ein zäher, schleppender Groove, wie er fast nur im Dub oder bei den alten Blueshelden zu finden ist, sogar Tom Waits selber hört man manchmal hindurch schimmern. Man kann auf jeden Fall gespannt sein, auf die weitere Zusammenarbeit dieses interkontinentalen Gespanns.

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Der Sommer kann kommen!

Bild: www.tramprecords.com/artists_cd_lp.html

Das deutsche Labe Tramp Records hat sich auf jegliche Soul-gefärbte Musik aus den 60er und 70er Jahren spezialisiert. Nach einer Funk- und einer Jazz-Compilation folgt mit „Contemporary Afro Beat“ das dritte Album der „Contemporary…“-Reihe. Gleichzeitig ist es die zehnte Veröffentlichung des Labels.

Der Übervater und „Erfinder“ des Afro Beats, Fela Anikulapo Kuti, sah seine Musik als die „progressive Musik der Zukunft“. Mit der Compilation „Contemporary Afro Beat“ beweist der Tramp Records Kopf Tobias Kirmayer, dass der Afro Beat, der dank Kuti und dem Schlagzeuger Tony Allen in den 70er Jahren in New York seinen grossen Hype erlebt hat, überhaupt noch nicht tod, sondern, über die ganze Welt verteilt, überaus lebendig ist. Die Bands, die auf dem Sampler versammelt sind, stammen unter anderem aus den USA, aus Brasilien, Frankreich und Deutschland. Und alle sind zeitgenössische Bands, die in unseren Jahren höchst aktiv und lebendig sind.

Fela Kuti und Tony Allen kombinierten Ende der 60er Jahren in Nigeria die afrikanische Tanzmusik Highlife mit Jazz und Funk und schufen eben dadurch den Afrobeat: Funky Gitarrenriffs, treibende afrikanische Percussions, schneidende Bläsereinsätze, groovende Basslines. Afro Beat vereint die auf den Punkt gespielte Präzision des Funks und die bluesige Melodik und Harmonik des 60er Jahren Jazz mit den treibenden, rollenden Rhythmen Afrikas.

Zum Glück vertraut das Label Tramp Records viel mehr den mitreissenden Grooves und den richtigen Vibes, als der digital-geschliffenen Aufnahmetechnik. Wären die Aufnahmen nämlich glatter und sauber, würden sie viel von ihrem Charme verlieren. Doch dank der analogen Aufnahmetechnik verlieren die Songs nichts von ihrem menschlichen Groove und Puls und tönen nicht nach glatt-geschliffenem Hochglanz-Funk.

Natürlich könnte man die CD mit der Kritik abtun, dass die meisten Bands darauf tönen wie die Bands von Fela Kuti und Tony Allen und sehr wenig moderne Interpretationsansätze des schon circa vierzig Jahre alten Musikstils zu hören sind. Der Jam-Charakter der meist sehr langen Songs, die anheizende Shouts der Sänger und Sängerin, die ausgedehnten Solis, das perkussive Schlagzeug, dass vielmehr ein weiteres Perkussionsinstrument als der einzige Rhythmusträger ist, die ostinatoartige Begleitung von Bass und Gitarre. Alles typische Merkmale der Afrika 70-Leute um Allen und Kuti, welche ebenso auf der hier besprochenen CD zu finden ist. Auch die  dreizehn verschiedenen Songs und die ebenso vielen Bands sind nicht wirklich unterschiedlich. Nur der Song „P.D.P.“ des Akoya Afrobeat Ensemble aus New York, mit seinem entspannten Beginn, der sich dann über ein beschleunigendes Bläserriff in einen nervösen Discofunk steigert, und das Lied „Radio Kabul“ von der Express Brass Band aus München, Deutschland, mit den osteuropäisch angehauchten Bläsern und dem offensichtlichen Zitat aus der Peer-Gynt-Suite von Edward Grieg, lassen neue Ansätze und Einflüsse anklingen.

Doch meiner Meinung geht es bei dieser Compilation nicht um eine Neuerfindung des Afro Beats, sondern darum zu zeigen, dass dieser Musikstil heute immer noch aktuell und lebendig ist. Auch heute hat diese Musik nichts von ihrer mitreissenden und ekstatischer Energie verloren. Die Stücke grooven unbeschwert vor sich hin und dank den rollenden afrikanischen Rhythmen drängt sich die Musik selten auf.

Der perfekte Soundtrack für ausgelassene Sommernächte in Schrebergärten, alten Fabrikanlagen, fröhlichen Open Air-Bars und an lauen Gewässern.

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www.plattfon.ch

www.tramprecords.com/artists