“La Haine” von Mathieu Kassovitz

Endlich erscheint der französische Kultfilm um Jugend und Revolte, Poliezi und Gewalt auch bei uns auf DVD. An Aktualität hat er bis heute kaum etwas verloren.

Von Kevin Mc Loughlin.

Irgendein Banlieu von Paris: Das Quartier brennt während Jugendliche sich brutale Strassenschlachten mit der Polizei liefern. Steine werden geschossen, Leute niedergeknüppelt – die Wache und das Schulhaus verwüstet. Chaos regiert auf den Strassen. Inmitten des Aufruhrs verliert ein Polizist seine Dienstwaffe und Abdel Ichaha wird von der Polizei brutal zusammengeschlagen, landet im Spital und liegt im Koma.

Drei Freunde
Der Film, der durchgehend in schwarzweiss gehalten ist, spielt an einem Tag und handelt von drei Freunden Abdels, alle unterschiedlicher Herkunft, und ihrem Umgang mit dem Leben im Banlieu. Vinz ist jüdischer Abstammung, Saïd ist ein lebensfroher und geschwätziger Maghreb, Hubert ein sehr ruhiger afrofranzösischer Boxer. Vinz, der sich selbst gerne als Gangster hochstilisiert und eine grosse Wut auf die Welt hegt, findet die verlorengegangene Dienstwaffe und schwört sich ganz im Sinne des alttestamentarischen Gebots “Auge um Auge, Zahn für Zahn”, einen Polizisten umzubringen, sollte Abdel sterben.

Am anderen Ende des Spektrums steht Hubert, wohl der intelligenteste der drei Freunde. Bei den Krawallen wurde sein Boxclub niedergebrannt und er möchte einfach nur weg aus dem Banlieu, weiss aber nicht, wie er das bewerkstelligen soll. Zwischen den beiden Polen versucht Saïd in vermittelnder Funktion Streitereien zu beheben und die beiden immer wieder zu versöhnen. Die drei verbringen den Tag und die Nacht zusammen im Banlieu und in der Stadt, doch dann überstürzen sich die Ereignisse.

Ausstattung
“La Haine” sorgte bei seinem Erscheinen 1995 nicht nur in Frankreich für Aufsehen und wurde zu Recht an den Filmfestspielen in Cannes ausgezeichnet. Nun gibt es dieses Bijou französischen Films bei uns endlich auch auf DVD. Neben dem Hauptfilm findet sich auf der Fassung der offizielle Trailer und eine Version des Filmes mit Audiokommentar des Regisseurs.

Seit dem 7. Januar 2010 im Handel.

Originaltitel: La Haine (Frankreich 1995)
Regie: Matthieu Kassovitz
Darsteller: Vincent Cassel, Saïd Taghmaoui, Hubert Kounde
Genre: Drama, Millieustudie
Dauer: 96 Minuten
Bildformat: 16/9
Sprachen: Deutsch, Französisch
Untertitel: Deutsch
Audio: DD 5.1
Bonusmaterial: Trailer, Audiokommentar
Vertrieb: Impuls

Im Netz
Trailer

“Alice in Wonderland” von Tim Burton

Grosse, wagemutige Fantasien in 3D sind der letzte Schrei – und wen lässt man besser schreien als diesen einmaligen Visionären, Tim Burton, wenn es darum geht, die Welt von Lewis Carrolls Meisterwerken erneut auf die Leinwand zu bringen? Versuch einer Antwort.

Von Tom Messerli.

Lewis Carrolls Buchvorlage beginnt damit, dass die gelangweilte Titelheldin, mit ihrer Schwester im Garten sitzend, auf ein weisses Kaninchen aufmerksam wird, dem sie schnurstracks in dessen Bau folgt, um kurz darauf in einer traumartigen Unterwelt zu landen. Auch Alices jüngstes Abenteuer beginnt mit Langeweile in einem Garten. Die fürchterlich stiere Gesellschaft an einem Gartenfest (und allen voran ihren unerwartet vorpreschenden Ehegatten in spe, den verdauungsproblemgeplagten Hamish), überdrüssig, stürzt Alice Kingsleigh erneut – und unausweichlich – dem weissen Kaninchen (gesprochen von Martin Sheen) hinterher und landet wiederum im Wunderland, oder besser, Unterland.

Dunkle Schatten über einem Wiedersehen mit Freunden
Dort sind einige Charaktere bis zur Unkenntlichkeit verändert worden, doch Alice (gespielt von einer hübschen, zwar soliden, aber nicht überwältigenden jungen Australierin und Neuentdeckung, Mia Wasikowska) trifft auf Altbekannte, allen voran auf die – noch immer – Shisha-rauchende Blaue Raupe (herrlich schläfrige Stimme von Alan Rickman), die Grinsekatze (be- und verzaubernd: Stephen Fry), auf die verspielten Eierköpfe Dideldum und Dideldei (beide gespielt vom kaum erkennbaren Matt Lucas), die Weisse Königin (noch langweiliger als sonst, diesmal aber weniger zu ihrem Verschulden: Anne Hathaway), und natürlich auf den Verrückten Hutmacher (brillant verkörpert von einem perfekten, Jack-Sparrow-hat-vollends-durchgedrehten, und nebenbei-auch-noch-mehr-oder-weniger-alle-nennenswerten-Akzente-des-Englischen-durcheinander-wirbelnden Johnny Depp). So bleibt Unterland auch in der neusten Darstellung immer noch jene fantastische Welt, die Alice als Kind besuchte. Doch damals missverstand sie das Wort Unterland als Wunderland und so findet sie nun wahrlich finstere Zustände vor.

Unterland ist es schlecht ergangen, seit die bösartige Rote Königin – eine wunderbar furchtbare Mischung erschaffen aus der Herzkönigin aus dem “Wunderland” und der Roten Königin von “hinter den Spiegeln” (gespielt von einer grossartigen Helena Bonham Carter, mit spektakulär rundem Kopf) – ihre Schreckensherrschaft begann. So handelt die Geschichte im eigentlichen Sinne von dem Offensichtlichen: Alice soll das wunderländische Unterland von den Fesseln der herzrotköniglichen Tyrannei und ihrem  ungeheuren Jabberwock (gesprochen – man hätte es sich denken können – von Christopher Lee, wie immer gut, aber eben nie neu) befreien.

Wertvorstellungen in der Wertfreien Zone
Die Idee ist an und für sich so alt wie Lewis Carrolls zweites Buch, entspricht sie doch eigentlich der Dramatisierung des berühmt-berüchtigten Nonsens Gedichtes “Jabberwocky” aus “Alice hinter den Spiegeln” – allerdings mit in gewisser Hinsicht fragwürdigen Folgen: Drehbuchautorin Linda Woolvertons Neuinterpretation verkommt zu einer vielleicht zu offensichtlich aufgetragenen Stärkung der Frauenrolle, wenn Alice die Rolle des im Gedicht unbekannt bleibenden Drachentöters aus Carrolls Buch einnimmt. Denn so wird die jüngste Erzählung von Alice zu etwas, das sich im Herzen durch und durch von Lewis Carrolls Schöpfung unterscheidet: aus Unsinn wird Sinn, aus Wertefreiheit wird Moral, und somit halten im Film zwei Eigenheiten Einzug, welche es dem brillanten Autor der Originale so bedingungslos aus seinem Werk zu verbannen gelang. Moral im Wunderland kommt einem ein wenig vor wie ein Fumoir in einer Nichtrauchergaststätte. Man wünscht sich hier, dass Woolverton auch so imaginär wie der literarische Vater der Geschichte gehandelt hätte.

Zweifelsohne einen Lichtblick bietet die Idee der neuen, buchstäblich grossgewachsenen Alice als junge, starke Frau dennoch: Der Drehbuchautorin gelingt es, in Alice sowohl die Figur aus Carrolls Bücher, als auch Lewis Carroll selber zu vereinen. Man mag von dieser Idee halten, was man will, aus metanarrativer Sicht ist sie ein Wurf. Indem sie so nicht in die viktorianische Gesellschaft und Struktur passen will, hat sie viel mit ihrem geistigen Vater gemeinsam. Auch Carroll stemmte sich – derweil er mit seinem literarischen Wurf die Welt der Kinderliteratur neu definierte – erfolgreich gegen die bisweilen endlos verklemmte und “alles-muss-gut-aussehen-Welt” um ihn herum.

Eine Frage der Dimensionen
Im Film hingegen muss tatsächlich alles gut aussehen, und das tut es auch. Da bleibt einzig die Frage nach der dritten Dimension. Der Film bleibt den Beweis schuldig, dass die Zukunft wirklich Filmen ins 3D-Format gehört und dass dieses mehr kann, als einen Schreckmoment auszulösen. Ungeachtet dessen, wie sehr auch immer sich das Croquet Spiel der Roten Könign aus der Buchvorlage dazu eignen mag, dem bebrillten Kinopublikum einen Igel ins Gesicht zu schmeissen, verpasst auch dieser Film aufzuzeigen, dass 3D dem gut gemachten bisheriges Handwerk voraus ist – Zweiflern seien gerade an Tim Burtons andere Werke erinnert.

© Disney

Schliesslich gibt es nur einen Tim Burton, und für einen märchenerzählenden Filmemacher, gefeiert für immer innovativere und üppigere Schöpfungen, dürfte es wohl wenig Schöneres geben, als sich auf Carrolls Spielplatz voll von mit Phantasie wuchernden Gemälden und besetzt mit allerlei wunderbar märchenhaften Figuren, auszutoben, seiner eigenen Vorstellungskraft freien Lauf zu lassen, und dem jüngsten Abbilds dieses sprichwörtlichen Wunderlandes den eigenen Stempel aufzudrücken. Die Verbindung einer 135-jährigen Erfolgserzählung mit Tim Burton machen den Film zu einem unwiderstehlichen, bezaubernd schönen Fest für die Augen. Tim Burtons neustes Werk ist dick aufgetragen wie immer, und deshalb muss man sich den Film einfach anschauen gehen.

Seit dem 4. März 2010 im Kino.

Originaltitel: “Alice in Wonderland” (USA 2010)
Regie: Tim Burton
Darsteller: Johnny Depp, Mia Wasikowska, Helena Bonham Carter, Anne Hathaway, Crispin Glover, Matt Lucas, Michael Sheen, Stephen Fry, Alan Rickman, Barbara Windsor, Paul Whitehouse, Timothy Spall, etc, etc.
Genre: Fantasy
Dauer: 108 Minuten
CH-Verleih: Disney

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Trailer
Offizielle Seite

Bild:www.jandelay.de

Jan Delay & Disko Nb. 1, Maag Event Hall 21.3 und 22.3.2010

Es ist wieder soweit, Jan Delay macht mit seiner Band Disko Nb. 1 Halt in Zürich um sein neues Album „Wir Kinder vom Bahnhof Soul“ live zu präsentieren. Dabei ist schon seit längerem klar, dass es sich bei Jan und seiner Combo um einen der besten Live-Acts der letzten Jahre handelt. Disko Nb. 1 und Jan Delay, das passt nun mal wie die Faust aufs Auge, da kommen Funk, Soul, Reggae und Rap zusammen und verschmelzen zu einem grossen rauschenden Fest. Der ehemalige Beginner spielt mittlerweile in einer Liga mit den ganz Grossen der Popmusik. Dies beweist sein Auftritt beim diesjährigen Moon & Stars in Locarno, sowie als einer der Headliner des OpenAir Frauenfeld. Neben Grössen wie Jay-Z und Eminem versteht sich. Dass sich Jan Delay vor niemandem zu verstecken braucht, wird er mit Sicherheit auch in der Maag Event Hall eindrücklich unter Beweis stellen. Und dies gleich doppelt, denn wegen der grossen Nachfrage wurde flugs noch ein Zusatzkonzert einberufen. Rock on, Jan!

Im Netz:

www.jandelay.de

Tickets:

www.starticket.ch

“Dinner für eine Leiche” von Jean G. Goodhind.

Im Rahmen von „Baths Internationaler Sternekoch- und Speisewoche“ – kurz BISS – soll der beste Koch der beschaulichen Stadt gekürt werden. Kurzfristige Änderungen in den Jury-Konstellation geben jedoch Rätsel auf, das Ergebnis sorgt für Verwirrung und Unmut. Als der Sieger ermordet wird, gerät in der Hotellerie einiges ins Wanken und Hotelbesitzerin Honey Driver avanciert erneut zur Privatdetektivin.

Von Fee Anabelle Riebeling.

Gute Publicity ist in der Tourismusbranche das A und O. Und so ist der Hotelfachverband stets bemüht, nicht nur die ihm angeschlossenen Etablissements, sondern auch Branchenumfeld und Stadt ins rechte Licht zu rücken. Der Kochwettbewerb soll eine von vielen Etappen auf dem Weg zum erklärten Ziel sein. Doch das Interesse an sämtlicher Berichterstattung erlischt, als Oliver Stafford, Chefkoch des «Beau Brummell» und notorischer, obwohl verheirateter Frauenverführer, in seiner Küche ermordet aufgefunden wird.

Ein Mord ist nicht genug
Mögliche Motive gibt es viele. Doch eines nach dem anderen muss ausgeschlossen werden, denn bald schon gibt es weitere Tote – sie alle kannten einander und standen beruflich in Kontakt. Der Mörder könnte aus dem näheren Umfeld stammen, was die Ermittlungen für Hannah „Honey“ Driver und ihren Kollegen nicht vereinfacht. Die Hotelbesitzerin, die seit dem Verschwinden eines amerikanischen Touristen (Jean G. Goodhind: «Mord ist schlecht fürs Geschäft», Februar 2009) zwischen Hotelfachverband und Polizei vermittelt und gemeinsam mit den Freunden und Helfern den damaligen Fall gelöst hat, ist wieder involviert. Beruflich – und privat.

Familienbande
Während Honey Drivers Chefkoch sich kurz vor dessen Tod mit Opfer Nummer 1 überworfen hatte, war ihre Tochter Lindsey vorübergehend mit ihm liiert. Und ihre Mutter Gloria? Die alternde Dame ist – wieder einmal – frisch verliebt und versucht ihren Liebhaber, den wohlhabenden, aber äußerst zweifelhaften Fleischlieferanten Roland Mead (!) schon nach einigen Tagen in die Familie und in Honeys Geschäfte zu integrieren. Geht sie mit der Gefühlsduselei zunächst allen auf die Nerven, bringt das plötzliche Ende ihrer Romanze das nötige Licht in das Dunkel des verworrenen Falls.

Mord und Totschlag – und einige Mängel
Obwohl Titel, Klappentext und die ersten Kapitel auf das Kochmilieu als Dreh- und Angelpunkt der Handlung hinweisen, stellt es nur den übergeordneten Rahmen dar, was wahre Kulinariker enttäuschen könnte. Nur stellenweise werden Rezepte erwähnt, die sporadische Nennung einzelner Speisen gerät zu einem oberflächlichen Name-Dropping. Da helfen auch die Übersetzungen der meist französischen Fachausdrücke in der Fußnote nicht viel. Es scheint, als sei die Autorin, die abwechselnd im englischen Wye Valley und auf einer vor Malta ankernden Yacht lebt, zu weit weg von der Welt, über die sie zu schreiben versucht.

Auch sprachlich gibt es in „Dinner für eine Leiche“ einiges zu bemängeln. Manche Formulierungen sind einfach zu schlicht, um für gut befunden zu werden. Viele Sätze senken aufgrund ihrer Kürze das Niveau. Wer darüber hinwegsehen kann, dem sei der Krimi trotzdem ans Herz gelegt: Von der ersten bis zur letzten Seite ist Jean G. Goodhinds neustem Roman mit weiblichem und typisch britischem Humor gespickt. Die Absurditäten nehmen im Verlauf der Ermittlungen und Wirrungen zu und so wundert es einen nicht, dass schließlich einer übergroßer, altertümlicher Büstenhalter die Ermordung von weiteren Personen verhindert.

Alles in allem ist Honey Drivers zweiter Fall lesenswert – sofern die Erwartungen nicht zu hoch sind.

Aufbau Verlag
304 Seiten, ca. CHF 16.50

ind

Diese Zivilisation wird untergehen. Vielleicht nicht gerade morgen, aber die Wahrscheinlichkeit ist recht gross, dass irgendwann einmal eine Katastrophe ihr ein Ende setzen wird. Der Einschlag eines Meteoriten könnte der Grund sein, eine Klimaänderung, eine Krankheit, wer weiss.

Aber darum soll es in diesem Text nicht gehen. Wir wollen uns nicht ausmalen, wie Millionen Menschen sterben und die Welt im Chaos versinkt. Vielmehr werfen wir einen Blick auf den Neuanfang danach – falls es einen gibt. Aber so optimistisch wollen wir heute sein!

In der zivilisationslosen Zukunft werden die Menschen vielleicht wieder in Höhlen leben und sich von Beeren, Wurzeln und selbst gejagten Tieren ernähren. Sie werden einfache Werkzeuge basteln, Nadeln vielleicht, um Kleider aus Fellen zu nähen. Oder Äxte und Schneidwerkzeuge. Das Wissen und die Kultur der einstigen Zivilisationen werden längst vergessen sein – oder allenfalls noch in weitererzählten Legenden weiterleben. Wollen diese Menschen wieder eine Zivilisation aufbauen, werden sie alles neu erfinden müssen.

Dass sie nichts mehr von uns wissen werden, daran sind nicht zuletzt wir selber schuld. Denn einerseits konservieren wir unser Wissen äusserst lausig: Während Bücher bei guter Lagerung ein paar hundert Jahre lesbar bleiben können, sind digitale Daten das Speichermedium nicht wert, auf dem sie aufgezeichnet sind. Eine handelsübliche CD zum Beispiel hält bestenfalls ein paar Jahrzehnte.

Und andererseits benötigen digitale Daten eine riesige Infrastruktur, um sie überhaupt lesen zu können. Selbst wenn in einer fernen Zukunft einem Menschen eine noch intakte, weil hochwertige DVD in die Hände fallen sollte; was sollte er damit tun? Je nach Stand seiner Kultur wäre die Annahme gerade zu absurd, er würde sich einen Computer basteln und gleich noch den Strom dafür herstellen.

Immerhin, es gibt Menschen, die sich des Problems der kurzen Haltbarkeit von Information angenommen haben: Die Mitarbeiter der Long Now Foundation. Zwei ihrer Projekte sind bereits in Arbeit: Eine neue Ausgabe des Rosetta-Steins und eine mechanische Uhr, die mindestens 10′000 Jahre laufen soll.

Robust muss sie sein, diese Uhr, und zukünftige Entdecker sollen ihre Prinzipien begreifen, sie nachbauen oder reparieren können. Ein gewisses technisch-kulturelles Niveau ist dazu allerdings Bedingung, es sollte ungefähr demjenigen der Bronzezeit entsprechen, die in Europa etwa um 2200 vor Christus  begann. Erste Prototypen dieser Uhr wurden bereits gebaut. Einer davon ist Orrery, ein Modell, dass auch die Position der sechs von Auge sichtbaren Planeten anzeigt.

Das Rosetta-Projekt ist benannt nach dem Rosetta-Stein, einer Granitplatte aus dem zweiten Jahrhundert vor Christus. Auf ihr ist Text in drei Schriften – Altgriechisch, Demotisch und Hieroglyphen – eingemeisselt. Dieses Nebeneinander war bei der Entzifferung der ägyptischen Hieroglyphen sehr hilfreich.

Der neue Rosetta-Stein ist eine Scheibe von etwa acht Zentimetern Durchmesser. Sie soll dem zukünftigen Forscher ein Bild der heutigen Sprachenvielfalt vermitteln. Gefertigt ist sie aus einer widerstandsfähigen Nickellegierung und auf die Oberflächen der beiden Seiten ist ein Text in über 2000 verschiedenen Sprachen geätzt. Auf der Oberseite beginnt er gut von Auge lesbar und wird spiralförmig immer kleiner. Auf der Unterseite finden sich tausende Seiten Text in mikroskopisch kleiner Schrift.

Mehr als der sprichwörtliche Tropfen auf ihn, sind die Bemühungen um den Stein allerdings nicht. Auch mit Nickelscheiben für alle Gebiete der Wissenschaft gelänge es höchstens, einen Bruchteil unserer Errungenschaften und Erkenntnisse zu sichern, aber immerhin.  Doch weitere derartige Scheiben gibt es (leider) noch nicht, geschweige denn grössere Projekte.

Doch selbst wenn man solche Scheiben überall auf dem Planeten verteilt und hofft, dass diese beständigen Mini-Archive dereinst tatsächlich gefunden werden,  stellt sich die Frage, ob sie je auch entziffert werden können. Dass es sich bei den eingravierten Zeichen um Schrift handelt, ist für den Menschen aus einer andern Welt – und das wird die Zukunft vielleicht sein – keinesfalls offensichtlich.

Wie müssen wir heute Symbole gestalten, welche die Menschen auch in ferner Zukunft verstehen? Auch für die nuklearen Endlager ist dies eine Herausforderung. Wegen der Gefahr radioaktiver Strahlung sollen hier Symbole die Aussage: „Haltet Euch hiervon fern!“ vermitteln. Die Planer denken über Symbole nach, die schmerzverzerrte Gesichter zeigen oder flüchtende Menschen. Doch wer den Verdacht hegt, dass dies erst recht die Neugier wecken könnte, liegt wohl nicht völlig falsch.

Von Vorteil wäre die Neugier wohl für mögliche Objekte mit dem gespeicherten Wissen unserer Zivilisation. Doch wie sollten diese Objekte aussehen? Raffinierte Bauwerke wie die Pyramiden oder speziell markierte Höhleneingänge?

Klar scheint, dass nicht das ganze Wissen auf einmal zugänglich gemacht werden kann. Menschen auf einem tiefen kulturell-technischen Niveau können nichts mit Quantenphysik anfangen. Die Langzeitarchive sollen – auf raffinierte Weise – ihr Geheimnis und damit das Wissen unserer Epoche Schritt für Schritt preisgeben. Den Zugang erhält nur, wer auch mit den Erkenntnissen umgehen kann.

Vielleicht werden die Menschen der Zukunft diese Botschaften aus der Vergangenheit als göttlich oder ausserirdisch taxieren. Vielleicht werden sie sie eines Tages in ihre Museen stellen, so wie wir es in unseren Tagen mit geheimnisvollen Gegenständen wie der Himmelscheibe von Nebra tun.

Eines ist gewiss: Dieser Text wird keine 10′000 Jahre überdauern. Wenn ihn jemand in eine Steinplatte meisseln wollte, wäre das natürlich anders. Interessierte melden sich bitte!

Links:
Die Organisation, die sich um die 10′000-Jahre-Uhr und die Rosetta-Scheiben kümmert:
http://www.longnow.org

Wie sollen Symbole aussehen, die jeder versteht, sogar Ausserirdische?
http://voyager.jpl.nasa.gov/spacecraft/goldenrec.html

Artikel über langlebige Datenspeicher
http://swissengineering-stz.ch/pdf/stz0520093327.pdf

Das Kochrezept zum Erfolg von Alexander Sigrist

Sie denken jedes Mal, wenn Sie die Oscarverleihung sehen, Sie könnten das auch? Also, einen Film drehen, der ganz sicher eine goldene Statue abstaubt? Und Sie können sicherlich auch eine bewegende Rede halten und dabei ordentlich die Tränchen rausdrücken? Das alles können Sie, aber Sie wissen nicht genau wie? Dann ist dies der Moment ihres Lebens – denn in diesem Artikel wird Ihnen gesagt, was es für einen Oscar-gewinnenden Film braucht.

Von Alexander Sigrist

Phase A: Die Story

Die Story ist an sich nicht so wichtig – es reicht auch völlig, ein paar rudimentäre Szenen auf einer Serviette zu notieren. Der Hintergrund ist viel wichtiger. Am Besten man wählt ein an sich kritisches Szenario. Krieg macht sich immer gut; wenn es gerade einen realen gibt – umso besser. Dabei muss aber ganz vorsichtig vorgegangen werden: keinesfalls direkt kritisch sein! Keine politischen Machenschaften kritisieren! Viel besser, man nutzt den realen Hintergrund für eine allgemeine, humanitäre Wischi-Waschi-Botschaft. “Krieg ist schlecht!”, zum Beispiel, ist ein Dauerbrenner!

Phase B: Das Drehbuch

Es wird schwieriger: nun muss man die rudimentären Szenen und die Botschaft in einen Zusammenhang bringen. Am Besten man lässt die Szenen einzeln stehen und tut später so, als hätte man einen unterkühlten, distanzierten Erzählstil anstreben wollen. Die Dialoge sollten möglichst nichtssagend sein – so zeigt man dem Zuschauer, dass die Charaktere eigentlich gar nichts zum Reden haben und das Maul halten würden, wenn sie nicht für den Film reden müssten. Ganz mutige Naturen können auch eine Adaption schreiben, die haben aber meist nur wenige Chancen auf einen Sieg.

Achtung: NO GO! Ausufernde Liebeleien sind out! Die Tage von Filmen wie “Vom Winde verweht” sind definitiv vorbei! Viel lieber eine im Scheitern begriffene Ehe zeigen. 80% der Akademie-Mitglieder sind geschieden, da finden die das realistischer.

Phase C: Die Crew / Die Schauspieler

Hier sollte besonderes Augenmerk dem/der RegisseurIn gelten. Sollten Sie jemand Bekanntes (z.B. die Ex-Frau des Regisseurs des erfolgreichsten Films aller Zeiten) gerade zur Hand haben: super! Das wäre ein Über-Bingo!

Vielleicht möchten Sie den Oscar für den besten Film mit einem Oscar für den besten Schauspieler kombinieren? Muss nicht unbedingt sein, macht sich aber gut im Lebenslauf. Generell gilt: je älter und je näher am Tod der Schauspieler, desto grösser die Chance zu gewinnen. Manchmal hat die Akademie auch Mitleid mit Leuten, die ihr Leben lang in schlechten Komödien gespielt haben – wenn Sie ein Drama drehen, unbedingt auf so jemanden zurückgreifen!

Phase D: Ausführung

Es wird noch schwieriger, denn es ist sehr wichtig für das Gelingen, bei der Ausführung das richtige Mass zu finden. Auf keinen Fall zu viel Geld ausgeben – das erinnert die Akademie zu schnell an die allgemein ignorierte Hegemonie des Kapitalismus in Hollywood und könnte sensible Naturen abschrecken. Dasselbe gilt für Spezialeffekte: die sollten nur gemässigt eingesetzt werden – Aliens, egal ob nun krabbenartige oder blaue, sind auf alle Fälle ein ganz schlimmer Fauxpas. Wie gesagt, viel lieber auf Realismus setzen und diesen dann und wann mit ein wenig Hyperrealismus (z.B. überlangen Zeitlupen etc.) optisch interessant machen.

Phase E: Vermarktung

Auch hier gilt: das richtige Mass ist entscheidend! Wer zu erfolgreich ist, der vertut seine Chancen auf einen Gewinn! Denn wenn ein Film zu erfolgreich ist, dann würde eine Auszeichnung für diesen Film gar die pseudo-elitäre Grundhaltung der Akademie untergraben, und das wollen wir ja nicht, oder? Nein, die Akademie ist unser Freund. Viel lieber an der Kinokasse floppen, damit hat man schon die halbe Miete.

Wer noch ganz wild sein möchte, schreibt der Akademie kurz vor der Verleihung eine Email und denunziert die Konkurrenten. Das hat die Akademie besonders gern, zeigt es doch, wie sehr man vom eigenen Film überzeugt ist!

Phase F: Die Dankesrede

Sie haben es geschafft! Nicht vergessen: möglichst viele Namen nennen, auch wenn kein Schwein weiss, wen sie da eigentlich meinen. Und mindestens dreizehn Mal die Akademie erwähnen. Sie können ihr niemals genug danken!

Weinen ist out, Sie sollten eher mit tränenerstickter Stimme reden, das kommt besser an, ausser Sie gehören zu einer Randgruppe – dann sollten Sie heulen, was das Zeug hält!

Sie haben nun alles zusammen, was sie für einen Sieg brauchen. Worauf waren Sie also noch? Raus mit Ihnen, mit einer Kamera, und filmen, filmen, filmen Sie! Wir sehen uns an den nächsten Oscars!

Sieger über sich selbst

“Vom Sumo, der nicht dick werden konnte” von Eric-Emmanuel Schmitt

Mit der Erzählung „Vom Sumo, der nicht dick werden konnte“ legt der französische Schriftsteller Eric-Emmanuel Schmitt einmal mehr eine kurze Geschichte mit grossem Inhalt vor. Die Wandlung eines Strassenjungen zum Sumoringer regt zum Nachdenken an und gewährt einen Einblick in eine nur scheinbar fremdartige Welt.

Von Lisa Letnansky.

Mit „Milarepa“ legte Schmitt 1997 den Grundstein für seinen „Zyklus des Unsichtbaren“. Weltberühmt wurde er dann 2001 mit dem Buch „Monsieur Ibrahim und die Blumen des Koran“, das 2003 auch verfilmt wurde. Es folgten „Oskar und die Dame in Rosa“ und „Das Kind von Noah“. Jetzt ist mit „Vom Sumo, der nicht dick werden konnte“ der fünfte Band des Zyklus’ erschienen. Jede dieser Geschichten erzählt bestimmte Aspekte einer der grossen Weltreligionen; dieses Mal ist nun der Zen-Buddhismus an der Reihe, auch wenn dieser bei genauerem Hinsehen eine eher untergeordnete Rolle spielt.

Herr über Körper und Geist
Das grosse Thema dieser Erzählung ist also weniger der Zen-Buddhismus als vielmehr, wie man Herr über seinen Körper und seinen Geist werden kann, dass man einmal gefällte Meinungen überdenken und sein Selbst so neu definieren kann. Genau diese Wandlung durchlebt der fünfzehnjährige Strassenjunge Jun, der sein Leben in Tokio damit verbringt, wertlose Gegenstände an belebten Strassenkreuzungen zu verkaufen. Er ist sich sicher, an einer Art „universeller Allergie“ zu leiden, denn unter Menschen fühlt er sich unwohl und ein schlimmer Juckreiz macht ihm zu schaffen. Diese „Krankheit“ bestimmt sein ganzes Leben; die Schule hat er hingeschmissen, Freunde hat er keine und am liebsten meidet er jeglichen Kontakt zu anderen Lebewesen.

Der Gipfel der Geschmacksverirrung
Juns Entwicklung beginnt mit einer scheinbar alltäglichen Begegnung, als eines Tages ein älterer Herr an ihm vorbei geht und meint: „Ich sehe schon, wie groß und stark du mal wirst.“ Der schmächtige und magere Jun glaubt zuerst, das Opfer eines übel gemeinten Scherzes zu sein, und auch nachdem der Alte ihm eine Eintrittskarte zu einem Sumoringkampf schenkt, fühlt er sich veräppelt. Mit diesem traditionsreichen Kampfsport kann Jun gar nichts anfangen, Sumo ist für ihn „der Inbegriff dessen, was ich an Japan haßte, der Gipfel der Geschmacksverirrung, der Fudschijama des Horrors“. Nachdem einige Zufälle dazu geführt haben, dass Jun auch noch sein letztes Hab und Gut verloren hat, entschliesst er sich aber doch noch dazu, diesem Wettkampf beizuwohnen.

Berufswunsch Sumoringer
Sein Ekel und Unverständnis für die Kämpfer wandelt sich allmählich in Ehrfurcht und Begeisterung. “Von Kampf zu Kampf verwandelten sie das Sinnlose zu Sinnvollem, ihre Masse wurde Waffe, ihre Körperfülle Kraft, ihr Speck Hammer und Schild“. Es folgt das Unausweichliche: Jun beschliesst, in die Schule des Alten einzutreten und Sumoringer zu werden. Nun stellt sich ihm nur noch ein Problem: Trotz immenser Nahrungsaufnahme und dem Ziehen aller Register nimmt er kein einziges Gramm zu. Dennoch wird alles, was er von diesem Zeitpunkt an erlebt und erfährt, sein Wesen von Grund auf ändern und ihn seinen Glauben an die Menschheit wiederfinden lassen.

„Vom Sumo, der nicht dick werden konnte“ ist ein kurzer Band für einen ruhigen und entspannten Abend, die Seiten fliegen unter den Augen des Lesers nur so dahin, und wenn man ihn zuklappt, hat wenigstens der Optimist in uns ein paar Gramm zugenommen.

Ammann
107 Seiten, ca. CHF 27.50

„Love Exposure“ von Sion Sono

Coming of Age-Story, Verwechslungskomödie, Travestie, Karate-Flick, Sozialfarce, Milieustudie, High School-Romanze, Splatterorgie, Grand Guignol und und und und und: Sion Sono fasst mit „Love Exposure“ in knapp vier Stunden mehrere Jahrzehnte japanischer Pop-Kultur zusammen und führt sie zugleich zu einem Höhepunkt. Mit einem Wort: Wahnsinn.

Jorge Luis Borge hat “Barock” einmal definiert als jenen Stil, “der seine Möglichkeiten ausschöpft (oder ausschöpfen will), und der hart an die Karikatur seiner selbst grenzt”. So gesehen war Sion Sono schon länger dem Barock verpflichtet. Mindestens seit er seine pornographischen Anfänge sublimiert hat in Richtung “ero guru”, jener in Japan traditionsreichen “erotischen Groteske” vorwiegend verstörender Prägung. Seine letzten drei Filme – „Strange Circus“, „Suicide Club“, „Exte – Hair Extension“ – waren mit Ideen vollgestopfte Bilderreigen, die sich nie darum kümmerten, ihren überbordenden Symbolismus im Zaun zu halten. Die Grenze zur Selbstparodie war für Sono nur eine weitere, die zu überschreiten er nötigenfalls mehr als bereit war.

Auch “Love Exposure” ist kein Bruch mit dieser Linie – ein Novum ist er aber insofern, als er die von Borges gesetze Klammer aufsprengt. Sonos Karriere mag so einzigartig nicht sein – er teilt sich die Anfänge in der Pornographie mit Takahisa Zeze oder Koji Wakamatsu, den Hang zum Genre-Bending mit Shinji Aoyama, die Vorliebe für den Exzess mit Takashi Miike und den Erfolg bei exklusiven Zirkeln ausländischer Kritiker mit allen der Genannten. Trotzdem hat Sono ein Alleinstellungsmerkmal: den Hang zum barocken Grössenwahn. Einem durchaus gesunden im Fall von “Love Exposure”, wo er unter Ausschöpfung aller Möglichkeiten auch tatsächlich Grosses schafft.

But wait, there’s more!
Eine Farce auf den Katholizismus, etwa. Yus (Nishijima Takahiro) Mutter stirbt, nicht jedoch ohne dem Sohn eine heilige Sehnsucht nach seiner persönlichen Maria einzupflanzen. Der Vater lässt sich aus Gram zum Priester weihen. Der Vater-als-Priester wird von einer alternden femme fatale verführt. Die femme fatale lässt den Priester fallen, der verhärmt Scham wie Selbsthass auf den Sohn projiziert. Der Beichtstuhl als letzter Ort der Kommunikation zwischen den beiden. Der Sohn sucht dem Bild nachzueifern, das sein Vater von ihm hat – nur dass ihm zum lästerlichen Saububen die Sünde fehlt. Also macht sich der Sohn auf, sie zu suchen, und wird fündig. But wait, there’s more!

Ein Guru, dem das weibliche Geschlecht heilig ist, etwa. Der weiht Yu ein in eine geheime Lehre: Die der “Up skirt”-Fotografie nämlich, die Sono als nationale Obsession und Artistik zugleich in Szene setzt – unter Ausnutzung aller Freiheiten, die ihm die digitale Kamera lässt. Yu bekommt also eine Ausbildung in einer mehr sublimen denn martialischen Kunst und dank schlummernde Talente eine höhere Bestimmung gleich mit: Er wird zum König der Perversen, der “hentais”, und erhält sich doch insgeheim sein reines Herz. Der Zuschauer glaubt ihm (wie er wundernswerter Weise allen Figuren ihr Tun und Wollen glaubt), der Vater eher nicht. Er zürnt plangemäss, und entblösst in seinen Schlägen doch nur seine Liebe.

But wait, there’s much, much more! Ravels “Bolero” etwa, der in Gesamtlänge halbstündig auf der Tonspur vor sich hin anschwillt, während ein weiteres Genre-Element  zur Filmspur findet: Ein Wunder nämlich, das punktgenau auf ein Parallelmontagefeuerwerk beschliesst und das Orchesterstück zum grand finale anheizt: Yu trifft Yoko (Mitsushima Hikari), erkennt in der Punk-Christin seine Madonna, und kriegt seine erste, keusche Erektion. Damit nun stehen auch der Romanze Tür und Tor offen, und die Verwechslungskomödie fällt gleich mit ins Haus: Yu ist in diesem Moment verkleidet. Als Frau, einerseits, als inkarnierte Popkultur zum Anderen. Der erste, vermeintlich lesbische Kuss wird getauscht in Mantel und Hut Sasoris, jener Filmheldin, die sich bis heute zwischen Homo und Hetero, zwischen Arthouse und Trash, zwischen Feminismus und Exploitation nicht entscheiden mag. In diesem Moment, in dem der Film längst zur Opulenz angeschwollen ist, implodieren die Querbezüge vollends mit Aplomb – und jetzt erst läuft etwa nicht der Ab-, sondern der Vorspann. Mit einem Wort: Wahnsinn.

Much, much more!
Die äussere Uhr behauptet zu diesem Zeitpunkt irgendwas von 90 Minuten, die innere glaubt ihr kein Wort. Der Widerstreit der beiden wird den Erzählrhythmus etwas zur Ruhe bringen (niemals jedoch zum Erliegen), während wir Bekanntschaft machen mit Koike (Sakura Ando), einer anfangs enigmatischen, dann zunehmend mephistolphelischen Präsenz. Koike ist – wie viele andere in diesem Film – sozial geschädigt, aber märchenhaft unkaputtbar, und prädestiniert dazu, dem Bildhunger auch noch den Psychothriller, die Groteske, einige Gallonen Blut und ein Sekten- wie Krankenhausdrama einzuverleiben.
Am Schluss werden wir für sie ebenso natürlich Sympathien empfinden wie für die heiligen Simpel Yu und Yoko, dann nämlich, wenn “Love Exposure” die Grenzen zu Allem Möglichen längst gesprengt haben wird und unser Urteilsvermögen darüber, was Gehörig ist und Ungehörig, was Passend und Unpassend, was Misslungen und Gelungen, gleich mit dazu. Die äussere Uhr spricht dann von 228 Minuten. Die innere freilich hört ihr Ticken längst nicht mehr, das untergegangen ist unter einer Lawine von Ideen und dem andauerenden Ausruf der Verzückung (oder Verwirrung, ganz nach Façon): WAAAHNSINNNNN.

Bonusmaterial:
Die lieben Leute von Rapideyemovies haben wieder mal ein schönes Päkchen geschnürt: Der Film kommt seiner Länge gemäss auf zwei DVDs. Die eine davon enthält zusätzlich Dokus zum Film, einige Deleted Scenes, den obligaten Trailer und ein reich bebildertes Booklet mit einem Interview und Essay von Rüdiger Suchland (der sich auch online findet).

Seit dem 05. Februar 2010 im Handel.

Originaltitel: Ai no mukidashi (Japan 2008)

Regie: Sion Sono
Darsteller:  Nishijima Takahiro, Mitsushima Hikari, Sakura Ando et al.
Genre: Alles. ALLES!
Dauer: 228 Min.
Bildformat: 1.85:1 (16: 9)
Sprachen: Japanisch
Untertitel: Deutsch (optional)
Audio: DD 5.1
Bonusmaterial: Dokumentation zum Film, Deleted Scenes, Kinotrailer, Booklet
Vertrieb: Praesens Film

Im Netz
Wahnsinn in kondensierter Form bietet bereits der Trailer.

“Nibelungenfieber” von Astrid Ule und Eric T. Hansen

Über Nacht hat sich das unscheinbare Dörfchen Loch durch einen spektakulären Schatzfund in eine Touristenmetropole verwandelt. Den Einwohnern ist dies sofort klar, jetzt gilt es nur noch, die Aussenwelt davon zu überzeugen.

Von Stefanie Feineis.

Als im kleinbürgerlichen, auf vielen Landkarten schlichtweg vergessenen Dörfchen mit dem bezeichnenden Namen Loch nach einem schweren Unwetter eine goldene Kette gefunden wird, ist den Einwohnern sofort klar, was dies bedeutet: In der Nähe ihres Dorfes muss sich der sagenhafte Nibelungenschatz befinden. Schliesslich wurde dieser laut alten Schriften vor 1 600 Jahren bei „Lôche in den Rîn“ versenkt. Während der erfreute Bürgermeister sofort ein neues Ortsschild in Auftrag gibt und ein spektakuläres Festspiel zu planen beginnt, um Touristen aus aller Welt anzulocken, zweifelt man vor allem in der berühmten Nachbarstadt Worms am Verstand der Dorfbewohner und an der Existenz des Schatzes.

Andererorts…
Während die Einwohner von Loch ganz aus dem Häuschen sind, hat der erfolglose Schriftsteller Steve Gunderson andere Probleme: die Inspiration für seinen Roman will sich nicht so recht einstellen, und seine Freundin Carla ist es leid, alle Rechungen alleine zu bezahlen. Auf ihr Anraten betätigt er sich widerwillig als Journalist und schickt einen Artikel über die Stadt Krefeld an die New York Times, der auch prompt gedruckt wird – allerdings nur, da Steve mit einem etablierten Journalisten gleichen Namens verwechselt wird.

Folgen einer Verwechslung
Dennoch hat die Veröffentlichung des Artikel ungeahnte Folgen: Nur wenige Tage später erhält Steve das verlockende Angebot des Bürgermeisters von Loch, einen Artikel über die Festspielbemühungen und den Weg des unbekannten Dorfes zur Touristenmetropole und Nibelungenstadt zu schreiben. Steve erklärt sich einverstanden, und wird als berühmter amerikanischer Journalist empfangen und verwöhnt. Nur allzu bald kommt die Wahrheit ans Licht, aber weder Steve noch die inzwischen von aller Welt verlachten Locher geben so einfach auf. Schliesslich gilt es, ein nie dagewesenes Festspiel vorzubereiten und nebenbei noch den Schatz der Nibelungen zu finden. Doch existiert dieser wirklich?

Satire auf einen nationalen Mythos
Das Autorenduo präsentiert in ihrem ersten gemeinsamen Werk eine ungewöhnliche und erfrischende Satire mit vielen Wendungen und Pointen, die sich unmöglich in der Kürze dieses Artikels zusammenfassen lassen. Kleinbürgertum und grossstädtische Arroganz, Politiker und Dorfbewohner, Journalisten und Theaterregisseure, niemand ist in dieser Satire sicher vor Spott und Hohn, vor allem jedoch nicht der grosse deutsche Mythos der Nibelungen.

Neben neuen fundamentalen Erkenntnissen zum Einfluss der Nibelungen auf das moderne Leben ist hier vor allem kurzweilige Unterhaltung garantiert.

Scherz
462 Seiten, ca. CHF 26.90

“Mary and Max” von Adam Elliot

“Dear Mr. Horowitz” – so beginnt die seltsame Geschichte der unwahrscheinlichen Freundschaft zwischen der kleinen Mary und dem dicken Max, die auf gegenüberliegenden Seiten des Globus mit ihrer Einsamkeit kämpfen. Adam Elliots Film trotzt dem 3D-Wahn und erzählt seine Geschichte mit guten alten Knetfiguren, die einem nahe gehen, ohne dass sie aus der Leinwand hopsen.

Von Lukas Hunziker.

Als Mary Daisy Dinkle aus Mount Waverly, Australien, auf gut Glück einen Brief an den in New York lebenden Max Horowitz schreibt, hat sie keine Ahnung, dass daraus eine Brieffreundschaft auf Lebenszeit entstehen wird. Mary, die wegen einem Muttermal von anderen Kindern gehänselt und von ihren Eltern vernachlässigt wird, wünscht sich nichts mehr als einen Freund. Max, ein 44-jähriger jüdischer Atheist mit Asperger Syndrom, wünscht sich genau dasselbe. Auch er hat niemanden, der sich um ihn kümmert, und die Goldfische, die er sich als Kameraden hält, sterben ihm immer wieder weg. Somit scheint es ein Wink des Schicksals zu sein, dass Mary zufällig seinen Namen im riesigen New Yorker Telefonbuch trifft, und ihm einen Brief schickt, in der Hoffnung, eines Tages Antwort zu erhalten.

Hochs und Tiefs einer Brieffreundschaft
Als Max den Brief erhält, tut er erstmal, was er immer tut, wenn sich in seinem Leben etwas Aufregendes und Stressiges ereignet – er steht stundenlang auf einem Stuhl in der Ecke, klappert mit den Zähnen und schwitzt. Dann jedoch erkennt er, dass Mary vielleicht der Freund sein könnte, den er sich so sehnlich wünscht. Mutig schreibt er zurück, und damit beginnen seine und Marys Einsamkeit zu bröckeln. Die beiden schreiben sich fleissig, schicken sich ihre liebsten Süssigkeiten und diskutieren ihre Lieblings-Fernsehserie – die “Noblets”. Dann jedoch berührt Mary einen wunden Punkt von Max: Liebe – für den Autisten das rätselhafteste und verwirrendste Phänomen überhaupt. Max ist mit Marys Fragen zur Liebe dermassen überfordert, dass er in eine Klinik eingewiesen werden muss, wodurch die Brieffreundschaft ein unerwartetes Ende nimmt. Vorerst.

© Studio / Produzent

Fünf Jahre hat Adam Elliot in “Max and Mary” investiert; ein Jahr alleine brauchte er für die Entwicklung des Drehbuchs und 57 Drehtage waren erforderlich für die aufwendige Animation. Die Geschichte von “Mary und Max” basiert “auf einer wahren Geschichte”, insofern dass Elliot selber einen New Yorker Brieffreund hat, dem Max nicht unähnlich ist, und dem er seit mittlerweile 20 Jahren schreibt. Tatsächlich ist der Film in allen noch so absurden Details glaubwürdig und die Geschichte der beiden Brieffreunde, die unterschiedlicher nicht sein könnten, berührt und bewegt. Die Stimmen von Philip Seymour Hoffman (Max) und Toni Collette (Mary) passen herrlich zum autistischen New Yorker und dem näselnden australischen Teenager, und Barry Humphries’ Erzählstimme verlieht der Geschichte die Wärme, die den Dialogen, oder besser gesagt den Briefen, fehlt.

Ach was, 3D – Knete, Mann!
Während in den aktuellen Animatonsblockbuster die Story unter der 3D-Verliebtheit je länger je mehr leidet, besinnt sich “Max und Mary” auf die Wurzeln des Animationsfilms zurück, und beweist einmal mehr, dass eine gute Story mit Knetfiguren weit mehr faszinieren kann als farbenfrohe 3D-Effekte. Mit einer Nomination für die Oscars wurde der Film allerdings nicht belohnt; auf der Longlist war er noch drauf, in die Endrunde kam er aber nicht. An der Technik kann dies jedoch nicht liegen: mit “Coraline” und “Fantastic Mr. Fox” sind zwei Filme vertreten, deren Figuren nicht (nur) aus dem Computer kommen. Also muss es an der Story liegen, die der Academy wohl eine Spur zu unorthodox ist – und dies mag vielleicht die beste Auszeichnung sein, die “Max und Mary” bisher bekommen hat.

Seit dem 12. Februar im Handel.

Originaltitel: Mary and Max (Australien 2009)
Regie: Adam Elliot
Darsteller: Philip Seymour Hoffman, Toni Colette, Barry Humphries, Eric Bana
Genre: Tragikomödie
Dauer: 89 Minuten
Format: 16:9
Sprachen: Englisch, Französisch
Untertitel: Deutsch, Französisch
CH-Vertrieb: Warner

Im Netz
Trailer und offizielle Seite
Homepage von Adam Elliot